Analyser un extrait de roman.

Analyser un extrait de roman.

Le roman est un genre littéraire qui relève de la fiction. Il figure cependant dans des corpus de synthèse consacrés à des faits de société, parce qu’il met en scène des personnages dans des lieux et à des époques qui sont empruntés à la vie réelle. De même que dans les autres types de documents, il s’agit de faire apparaître les idées qui se dégagent des situations racontées.
Le roman raconte une histoire par la voix d’un narrateur qui est à l’extérieur ou à l’intérieur du récit, qui prend ou non position, et qui rapporte les faits et les actions en adoptant un certain type de point de vue. Les idées, qui sont des éléments abstraits, s’expriment à travers les situations, les actions, les comportements des personnages et leurs propos.
Les idées exprimées n’appartiennent pas nécessairement à celui qui les énonce. Il est donc essentiel de trouver à qui les attribuer. Dans ce contexte il s’agit de bien voir si le texte nous montre un discours direct (CAD avec des répliques dans lesquelles s’expriment des personnages), s’il s’agit de discours indirect (où c’est le narrateur qui fait parler les personnages « il dit que », « il lui répliqua que » etc.), de discours indirect libre (mélange assez ambigu des deux précédents où l’on a l’impression d’assister aux pensées des personnages) ou enfin de discours narrativisé (où l’auteur résume le discours d’un des personnages).Il s’agit aussi de faire attention au fait que le narrateur ou l’un de ses personnages peuvent être ironiques (ce qui se voit généralement à la présence d’antithèses ou d’antiphrases dans le texte).
En outre, certains procédés d’écriture aident à la découverte des idées, de leur sens, de leur charge d’émotion et de leur importance dans le texte. Il s’agit de comprendre ce que disent les textes narratifs derrière ce qu’ils racontent. Pour cela, il s’agit d’être attentif aux registres (lyrique, pathétique, épique, satirique, polémique, ironique, comique), aux modalisateurs (sans doute, malheureusement, parfois, etc. ou encore, je pense, j’affirme, je souhaite, etc.), et aux articulations logiques du texte.
Les histoires racontées ne se limitent pas au récit de faits. Elles sont porteuses d’idées : dans un corpus de synthèse, ces idées entrent en résonance avec celles des autres textes, ce qui en facilite l’identification.

Méthode générale BTS

Méthode générale de la synthèse.

1/ Classer les idées d’un corpus de documents.

Les idées exprimées par les documents d’un corpus et mises à jour par l’analyse constituent la matière de la synthèse. Une fois dégagées et reformulées, Elles doivent être organisées ou classées selon deux ou trois grandes orientations. Chaque orientation correspond à une grande partie de la synthèse ; la mise en relation des grandes orientations constitue la problématique.

a/ Reformuler les idées.

Il s’agit d’énoncer différemment, mais de manière réduite et explicite, les idées que les documents expriment, soit sous forme rédigée, soit sous forme de phrases nominales (titres).

b/ Classer les idées.

La classification de ces idées permet de construire la synthèse. Il s’agit de souligner les idées qui, dans les divers documents, vont dans le même sens et de les grouper sous l’égide d’un élément thématique commun, élément qui constitue une grande orientation du plan. Il faut alors définir chaque orientation en lui donnant un titre. Ces titres sont essentiels pour l’élaboration du plan. La présence de notions, points de vue, exemples différents voire contradictoires, constitue une aide pour la classification : on perçoit ainsi des oppositions d’un document à l’autre, ou parfois à l’intérieur d’un même document. Il est alors très utile de faire appel à un tableau qui récapitule les idées et permet de visualiser leur classification.

c/ La problématique.

Les documents qui composent le corpus ont été regroupés selon des thèmes communs. Ils sont associés parce que leur mise en relation et leur confrontation soulèvent une question, un débat, une problématique. Les grandes orientations de la synthèse et leur articulation logique doivent permettre de déterminer cette question fondamentale, sous-jacente à l’ensemble des documents.

2/ Construire le plan de la synthèse.

Le plan de la synthèse doit se construire à partir des idées dégagées des documents et reformulées.

a/ La construction du tableau.

Le tableau doit permettre de visualiser les rapprochements d’idées d’un document à l’autre, en les ayant clairement sous les yeux et de confronter l’ensemble de manière organisée et cohérente. Il permet d’élaborer progressivement le plan. Il s’agit de regrouper les idées proches dans chaque colonne, ce qui doit permettre peu à peu de déterminer, pour chaque colonne, une grande orientation (en haut) et les sous parties de cette grande orientation (en bas). Prévoir au moins trois colonnes (deux parties plus les idées qui semblent inclassables de prime abord mais qui pourraient le devenir) ou 4 (3 parties+inclassables).

b/ Du tableau au plan.

A mesure que se fait le remplissage du tableau, on peut envisager les titres des grandes orientations et vérifier leur pertinence. C’est l’unité thématique de chacune des colonnes qui conduit à la formulation d’une grande orientation (parties I, II et III du plan). Une fois ces grandes orientations déterminées, il s’agit de les organiser en sous parties qui abordent, avec une cohérence thématique, des points caractéristiques de chaque grande orientation.

3/ La rédaction de l’introduction et de la conclusion.

La synthèse de documents suppose qu’on rédige une introduction et une conclusion qui encadrent l’exposé des documents.

a/ L’introduction.

Elle se fait en trois phases : entrée en matière ou phrase d’accroche, présentation des documents et annonce du plan.
La phrase d’accroche a pour fonction de faire savoir de quoi il est question dans le corpus de documents. Elle donne donc le thème général et précise de quoi il va être question. Il s’agit de poser le sujet et donc la problématique générale sous jacente aux documents du corpus.
La présentation des documents exige que l’on présente l’auteur, le genre, la date et le thème de chaque document, en mettant l’accent sur ce qui peut être une caractéristique ou une originalité. Il faut d’emblée regrouper les documents proches ou souligner les oppositions entre les documents ou groupes de documents s’il y a lieu. Il ne s’agit pas de donner une liste monotone mais de montrer, dès l’introduction, qu’on a bien saisi les relations entre les diverses parties du corpus. De sorte que le correcteur puisse d’emblée savoir si le travail de synthèse a été correctement réalisé.
L’annonce du plan doit donner enfin les deux ou trois grandes orientations de la synthèse de façon explicite pour que le lecteur sache ce qu’il va lire après.

b/ La conclusion.

Il s’agit de faire le point sur la problématique envisagée en relation avec l’introduction. Le thème général et la problématique doivent être rappelés ainsi que les grandes orientations du plan. Il s’agit ensuite d’ouvrir la réflexion sur un cham plus vaste que celui de la synthèse, ouvrant sur des perspectives nouvelles.

4/ La rédaction des paragraphes et des introductions partielles.

La synthèse suppose qu’on construise un exposé écrit. Il faut donc rédiger. L’exposé formule, en les regroupant, les idées qui ont été préalablement identifiées et classées. Les caractéristiques de l’exercice imposent des contraintes d’écriture.

a/ Reprendre et exprimer les idées des documents.

Le travail d’expression des idées n’est ni un recopiage des textes ni un montage de citations. Il faut mettre ensemble des idées qui appartiennent à plusieurs documents et qui vont dans le même sens. Il s’agit donc de substituer une phrase synthétique à deux, 3 ou 4 phrases de plusieurs textes pour obtenir une idée unifiée.

b/ Indiquer les sources des idées.

La synthèse ne comporte aucune idée extérieure aux documents. Toute idée exprimée provient d’un document qui doit être identifié et désigné comme source. Il faut donc avoir à sa disposition différentes formulations pour signaler à quel document appartient telle ou telle idée. (« Comme le dit untel… » « si on met en regard les documents X et Y, on constate que », etc).
Il faut respecter en les désignant clairement les différentes « voix » qui peuvent se manifester dans un document. On trouve en effet, dans les documents, des points de vue qui ne sont pas nécessairement ceux de leur auteur ; sous forme de citations ou de paroles au discours direct et pas seulement dans les entretiens, les dialogues ou les échanges de propos. Dans la synthèse, il est essentiel que chaque point de vue soit étudié.

c/ Mettre en relief les articulations logiques.

La synthèse comporte des parties précédées d’une introduction générale et suivies d’une conclusion. Ces grandes parties ne sont pas simplement juxtaposées mais liées de manière logique, ce qui implique que leurs articulations (opposition, complémentarité, objection, etc.) soient visibles. Chaque partie commence par une introduction partielle qui annonce le thème traité en précisant quels sont les sous-thèmes. Ces derniers correspondant à la classification A, B et C du plan et prenant la forme de paragraphes préalables grâce aux alinéas. L’ordre de ces paragraphes suit une logique (souvent une gradation) marquée par des liens logiques ou des reprises de termes.

d/ Rédiger une introduction partielle.

Ouverture d’une partie, l’introduction partielle a pour fonction non seulement d’annoncer le thème traité dans cette orientation, mais aussi d’annoncer l’organisation du contenu (les sous thèmes). Quand il s’agit de l’introduction partielle de la seconde ou de la troisième partie, elle souligne la jonction avec la partie précédente en soulignant la logique qui les relie.

e/ Respecter l’objectivité.

La synthèse impose de présenter les idées de manière objective. L’auteur de la synthèse est donc tenu de ne manifester ni jugements, impressions ou réactions personnels, par rapport aux idées traitées, et d’éviter toute subjectivité : pas de mise en doute, d’ironie ou de satire. Les idées sont à reprendre telles qu’elles sont. La personne qui rédige une synthèse doit se mettre à distance, ne pas utiliser la première personne, s’exprimer au présent de l’indicatif et de manière impersonnelle. Son rôle consiste à déterminer, regrouper et exprimer des idées qui ne sont pas les siennes et qui constituent la matière de la synthèse.
Les évaluations d’ordre subjectif seront l’objet du travail d’écriture personnelle qui intervient après la synthèse.

Sur le texte de Victor Hugo

Victor Hugo ; Préface de Cromwell.

Notice sur le théâtre classique.


Le Théâtre classique français (formalisé par Corneille et Racine) supposait tout un ensemble de règles que les romantiques tentent d’abattre afin de produire un théâtre plus réaliste (plus vrai).
Ces règles sont : La règle des trois unités (unité de temps, unité de lieu et unité d’action), la règle de vraisemblance (l’histoire doit être vraisemblable, le spectateur doit pouvoir y croire) et la règle de bienséance (aucune scène violente ou spectaculaire ne doit être montrée sur scène). De plus, pour les classiques comme Corneille et surtout pour Racine, les pièces doivent être écrites en alexandrins.
Contre ce théâtre, les romantiques magnifient les vertus du baroque (Shakespeare), ce dernier étant plus libre, mélangeant les registres et les genres (comédie et tragédie), et laissant plus de place au spectaculaire (contredisant la règle de bienséance des classiques).

Sur le texte de Victor Hugo.

L1-3 : Il est possible de tout représenter au théâtre, à condition que cela soit fait avec art. « Baguette magique » CAD que l’art transforme les faits bruts, les taille comme le ferait un sculpteur, pour leur donner une forme. « Tout peut s’y réfléchir » CAD que le théâtre est un miroir, il donne une image fidèle de la nature et de l’histoire, de la vie et de l’homme. « Point d’optique » Le théâtre est donc une sorte de miroir magique dans lequel tout est reflété sous une forme artistique. Il doit donc pouvoir tout représenter sous une telle forme et Hugo développe dans la suite du texte la conception qu’il se fait du pouvoir magique de l’art.
L5 : La réalité des mœurs et des caractères est moins sujette au doute et à la contradiction que les faits (cf Aristote, Poétique, pour qui la tragédie est plus scientifique, plus « vraie » que l’histoire du fait qu’elle comporte un ordre logique extrêmement rigoureux).
L6-12 : Hugo développe les diverses fonctions de l’art : il reconstitue les faits historiques en corrigeant les erreurs des chroniqueurs, complétant ce qu’ils n’ont pas dit par une imagination réaliste, l’art permet en outre d’harmoniser le tout en une œuvre qui sera crédible pour le public. L-11-12 : Idée qu’une illusion bien faite est plus vraie que la simple description prosaïque des faits.
L14-21 : Art et nature, intériorité et extériorité : l’art permet de développer la nature en montrant dans le drame à la fois le visible et l’invisible, CAD à la fois l’action extérieure des personnages sous forme de dialogues et leur vie intérieure sous forme de monologue. (« le drame de la vie et le drame de la conscience » l.21).
L22-30 : Si l’art doit développer la nature, il ne doit pas s’attacher à la seule beauté, il doit prendre en compte toutes les caractéristiques des sujets dont il traite. Caractéristiques qui sont comme des couleurs cachées au fond de la nature de chaque sujet et qui lui sont comme immanentes. («comme la sève qui monte de la racine à la dernière feuille de l’arbre » l.29-30).
L30-33 : Cette « couleur » est comme la couleur d’une époque, CAD l’ensemble des caractéristiques de cette époque ; caractéristiques dont la présence doit pouvoir se sentir partout dans le drame afin que le spectateur soit comme transporté à une autre époque et en un autre lieu.

Dossier Figures de l'artiste.

Gustave Moreau : Jeune fille thrace portant la tête d'Orphée
Documents ; art et littérature.

1/ Emile Zola




"Auteur prolixe notamment du cycle des Rougon-Macquart, écrit entre 1871 et 1893, Emile Zola (1840-1902) s'illustre également avec la publication en 1898 de "J'accuse" lettre ouverte au président de la République en faveur de Dreyfus.
Tenant engagé du réalisme, et fondateur du naturalisme, il stigmatise dans ses critiques de salons l'œuvre de Gustave Moreau comme "la plus étonnante manifestation des extravagances où peut tomber un artiste"
"Il peint ses rêves, non des rêves simples et naïfs comme nous en faisons tous, mais des rêves sophistiqués, compliqués, énigmatiques, où on ne se retrouve pas tout de suite. Quelle valeur un tel art peut-il avoir de nos jours ? C'est une question à laquelle il n'est pas facile de répondre. J'y vois comme je l'ai dit une simple réaction contre le monde moderne. Le danger qu'y court la science est mince. On hausse les épaules et on passe outre voilà tout."
"Salon 1876" paru dans "Le Messager de l'Europe"
Saint-Pétersbourg, juin 1876
Extrait

2/ Proust.

« Le pays, dont les œuvres d’art sont ainsi des apparitions fragmentaires, est l’âme du poète, son âme véritable, celle de toutes ses âmes qui est le plus au fond, sa patrie véritable, mais où il ne vit que de rares moments. C’est pour cela que le jour qui les éclaire, les couleurs qui y brillent, les personnages qui s’y agitent, sont un jour, des couleurs et des êtres intellectuels. »1
Marcel Proust, Gustave Moreau

3/ Orphée par Wikipedia :

La légende d'Orphée, une des plus obscures de la mythologie grecque, est liée à la religion des mystères ainsi qu'à une littérature sacrée. Aède mythique de la Thrace, fils du roi Œagre et de la muse Calliope, il savait par les accents de sa lyre charmer les animaux sauvages et parvenait à émouvoir les êtres inanimés. Il fut comblé de dons multiples par Apollon, et on raconte qu'il rajouta deux cordes à la traditionnelle lyre à sept cordes que lui donna le dieu, en hommage aux neuf Muses, protectrices des arts et des lettres, auxquelles appartenait sa mère. Héros voyageur, il participa à l'expédition des Argonautes au cours de laquelle il triompha des sirènes et se rendit jusqu'en Égypte, puis revint en Grèce. À la fin de son périple, il rentra en Thrace, dans le royaume de son père.Sa femme, Eurydice (une dryade), lors de son mariage avec Orphée fut mordue au mollet par un serpent. Elle mourut et descendit au royaume des Enfers. Orphée put, après avoir endormi de sa musique enchanteresse Cerbère, le monstrueux chien à trois têtes qui en gardait l'entrée, et les terribles Euménides, approcher le dieu Hadès. Il parvint, grâce à sa musique, à le faire fléchir, et celui-ci le laissa repartir avec sa bien-aimée à la condition qu'elle le suivrait et qu'il ne se retournerait ni qu'il lui parlerait tant qu'ils ne seraient pas revenus tous deux dans le monde des vivants. Mais au moment de sortir des Enfers, Orphée, inquiet de son silence, ne put s'empêcher de se retourner vers Eurydice et celle-ci lui fut ravie définitivement. Orphée se montra par la suite inconsolable. Les Bacchantes thraces ou Ménades en éprouvèrent un vif dépit et le déchiquetèrent. Les Muses, éplorées, recueillirent les membres pour les enterrer au pied du mont Olympe, à Leibèthres.

Copie de cours pour les étudiants vietnamiens. n°1

Chapitre 1 : Art et Littérature.

Introduction :

Manifestations les plus visibles et les plus aisément reconnaissables de ce qu’on appelle communément la culture ; l’art et la littérature apparaissent généralement au premier plan lorsqu’on cherche à décrire une culture donnée. Etant donné que l’art s’adresse directement à la sensibilité et à l’émotion, il est plus immédiatement perceptible que d’autres aspects de la culture qui sont généralement plus abstraits (comme la philosophie ou le système de lois par exemple). Et généralement, lorsqu’on parle de Culture, c’est aux arts que l’on fait allusion. Ce n’est donc pas un hasard si la chaîne culturelle franco-allemande s’appelle « Arte ».
On pourrait s’interroger sur les raisons de cette prééminence de l’art sur les autres aspects de la culture. Pourquoi, lorsqu’on parle de la vie culturelle parisienne par exemple, ne parle-t-on que de théâtre, d’expositions de peinture ou de photographies, de concerts etc. et beaucoup plus rarement des fêtes religieuses ou républicaines ? C’est que, comme nous l’avons dit, l’art touche essentiellement la sensibilité et l’émotivité, il est directement perceptible et n’exige pas (a priori, mais nous verrons que ce n’est pas évident) d’effort intellectuel pour être appréhendé. Par exemple, je n’ai pas besoin de connaître le solfège pour apprécier une musique et la trouver belle, ni besoin de savoir peindre pour apprécier un tableau.
C’est là que réside tout l’intérêt et la puissance de l’art, dans sa capacité à véhiculer des impressions et des émotions de façon immédiatement compréhensible pour tous. « Le beau est ce qui plaît universellement sans concept » disait Kant dans sa Critique du jugement. C'est-à-dire que tous les êtres humains perçoivent la beauté lorsqu’ils la rencontrent et n’ont pas besoin d’une idée intellectuelle de la beauté pour l’apprécier.

Cependant, il s’agit là d’une vision relativement simpliste de la question de l’art. En effet, l’art ne se limite pas, loin s’en faut, à produire de la beauté et, pour apprécier une œuvre d’art contemporain, la perception immédiate ne suffit pas. Un grand nombre d’œuvres se fondent en réalité sur des concepts, sur des conceptions artistiques de ce que doit être une œuvre. Concepts techniques, CAD méthodes de production des œuvres comme le cubisme ou le pointillisme et concepts sémiotiques, CAD relatifs au sens de l’œuvre (comment représenter l’amour en peinture par exemple, va-t-on peindre Eros tendant son arc ou un couple enlacé ?).
Dans ce contexte, on doit considérer que la perception immédiate et la simple impression ne suffisent pas et que les œuvres d’art sont des objets conceptuels CAD des objets qui s’adressent aussi bien à notre intelligence qu’à notre sensibilité. Une œuvre d’art se lit au même titre qu’un texte, elle suppose la description, le commentaire et l’interprétation. C’est ce qu’on appelle la « Critique d’art », CAD le discours qui éclaire et qui dévoile le sens d’une œuvre, son intérêt esthétique, politique, poétique, religieux, etc.
Avant de faire des éloges ou des blâmes sur les œuvres (ce que les artistes supportent difficilement en général), la critique consiste surtout à y voir clair en matière d’art. Y voir clair aussi bien sur le plan du fond que sur celui de la forme, aussi bien sur le plan du sens que sur celui de la technique artistique.


Dans ce premier chapitre consacré à l’art et à la littérature, nous allons tenter de voir à travers un exemple concret (Gustave Moreau et la question de l’art) comment lire et décrypter plusieurs types de documents qui peuvent apparaître dans un devoir de synthèse (Essai, poésie et œuvre d’art).

I. Portraits d’artiste.

1. Quelques rappels historiques.

a) Zola, le réalisme et le naturalisme.

Le concept de réalisme fut un mot de ralliement dans lequel crurent se reconnaître tous ceux qui, inspirés
par Balzac, Stendhal et Flaubert, conçurent l’œuvre littéraire, ou plus généralement l’œuvre d’art dans un rapport nouveau avec le réel, qu’il soit naturel, historique ou social. Fortement influencé par l’idéologie dominante de l’époque (le positivisme bourgeois), et par les événements historiques qui désacralisent après 1848 l’idéal romantique, le réalisme substitue l’étude de mœurs à l’intrigue traditionnelle et l’étude de cas au romanesque psychologique du romantisme. Le réalisme vise une mimesis attentive, exhaustive et toutefois personnalisée des choses, du monde et de l’histoire à des fins utiles. Mais il finit par aboutir à une contradiction (avec les frères Goncourt notamment) entre le désir de parler de la réalité, et parfois des réalités les plus sordides, tout en faisant œuvre littéraire CAD de beauté. D’où le reproche de « misérabilisme » qu’on a pu faire à ce courant.
C’est en réaction à ces contradictions que se développera le naturalisme de Zola et de Maupassant. Zola (1840-1902) écrit en 1880 : « Le roman n’a plus de cadre, il a envahi et dépossédé tous les autres genres. Comme la science, il est maître du monde… La nature est son domaine ». Il s’agit donc de rivaliser avec la science, d’embrasser toute la nature. Les conditions historiques de l’époque (retour à la démocratie après le règne de Napoléon III), les conditions idéologiques (développement du socialisme et des sciences humaines) et même techniques (avènement du règne des machines), offraient au roman la chance d’être le vecteur le plus approprié à l’expression des nouvelles forces en présence. Inspiré par Darwin (mort en 1882) Zola est convaincu que la société est semblable à la nature et qu’elle est régie par les lois de la lutte pour la vie et de la sélection naturelle. La lecture des médecins de son temps (Cl. Bernard notamment) l’entrainent à considérer que le romancier doit avoir des buts et des méthodes similaires à celles des savants. Comme le médecin ou le biologiste, le romancier procède par observation puis par expérimentation. Cependant Zola ne se limite pas à un travail scientifique, il est aussi le créateur de véritables symboles de la modernité (la mine de Germinal, la locomotive de La bête humaine, les halles du Ventre de Paris), transfigurant en objets littéraires quasi épiques les réalités du quotidien biologique et social. Il est par ailleurs bien connu que derrière le naturalisme de Zola se cache un style épique digne d’Homère.

b) Gustave Moreau et le symbolisme.

Face à cette époque positiviste éprise de sciences exactes et de sociologie, il y a peu de place pour le
Mystère, l’inquiétude et la curiosité métaphysique qui sont condamnés ou traités par la dérision. C’est pourtant à ces thèmes que le courant symboliste s’attache à partir des années 1870, dans la continuation de l’œuvre de Baudelaire. Pour les symbolistes, notre monde n’est pas réductible à la matière, il est d’abord fait de représentations que nous en avons (inspiration de Schopenhauer) et des signes dont nous le jalonnons. A la limite, il n’est qu’apparence vaine. Le symbolisme est un courant idéaliste teinté de mysticisme (Mallarmé surtout) accompagné parfois d’anarchisme et de désespoir (symbolisme dit « décadent »). Sur le plan poétique, trois préférences définissent l’esprit symboliste : la préférence donnée à l’idée et au signe sur le réel ou la matière ; celle de la suggestion sur la représentation ; celle enfin donnée à la musique ou à l’harmonie sur la forme en tant que telle.
Gustave Moreau (1826-1898) appartient à ce courant. Pour lui, la peinture est cosa mentale , CAD chose de l’esprit, elle ne cherche pas à recréer sur la toile le spectacle de la nature, elle s'adresse d'abord à l'esprit et vient du plus profond de l'artiste. Moreau ambitionnait de créer une œuvre où l'âme pût trouver, selon ses propres mots : toutes les aspirations de rêve, de tendresse, d'amour, d'enthousiasme, et d'élévation religieuse vers les sphères supérieures, tout y étant haut, puisant, moral, bienfaisant, tout y étant joie d'imagination de caprices et d'envolées lointaines aux pays sacrés, inconnus, mystérieux. La peinture de Moreau doit faire davantage rêver que penser. Elle vise à transporter le spectateur vers un autre monde.
Par le choix même de ses sujets, Moreau veut s'abstraire des données du réel, du vécu. Esprit profondément religieux -sans être pratiquant- il considère que la peinture, miroir des beautés physiques, réfléchit également les grands élans de l'âme, de l'esprit, du cœur et de l'imagination et répond à ces besoins divins de l'être humain de tous les temps. C'est la langue de Dieu !

c) Marcel Proust.

Sensible et cultivé, Marcel Proust (1871-1922) partage le rêve symboliste d’une synthèse de tous les arts,
peinture, musique, architecture, littérature. Proust se réfère souvent à la peinture dans son œuvre, décrivant parfois au cours de longues pages telle ou telle œuvre. Il va jusqu’à concevoir un idéal de salut par l’art ; le réel ne nous est pas donné, il nous appartient de le recréer. La vision de l’artiste, qui enrichit l’univers d’une véritable dimension mystique, redonne à celui-ci « un prix infini ».
Selon Proust, la matière de l’art est fournie par les impressions passées de l’artiste. Ecrire c’est se souvenir. A partir de réminiscences d’évènements, de sensations vécues devenues en lui quelque chose d’immatériel, le créateur nous livre l’essence même des êtres, des lieux, essence « en partie subjective et incommunicable ». La sensibilité, l’imagination, le style de l’artiste comptent plus que les idées. Le sens de l’œuvre ne peut venir que de constructions complexes faites d’amplifications, d’annonces, de rappels, d’oppositions et de déformations du « réel ».
« Le style pour l’écrivain, aussi bien que la couleur pour le peintre, est une question non de technique mais de vision » écrit-il. L’art a pour fonction chez lui de cerner les sensations et les sentiments à travers une approche sinueuse et longue qui ne sépare pas la forme du sens.

2. Questions de synthèse.

a) Analyse d’un extrait d’essai.

L’essai est consacré à l’expression directe d’idées par un auteur qui fait connaître ses réflexions, le résultat
de ses recherches ou de ses analyses dans un domaine particulier : économie, politique, sociologie, histoire etc.
L’essai ne raconte pas une histoire et ne relève pas du champ de la fiction. Il traite de questions abstraites, mais celui qui l’écrit part souvent de situations concrètes, d’observations, de faits, de constats, d’expériences, de données chiffrées. Ces différents éléments concrets conduisent à l’élaboration de théories, nourrissent la réflexion et mènent à des conclusions. Analyser un extrait d’essai implique donc de bien établir les relations de sens entre des données concrètes et les conclusions qui en découlent.
Le thème d’un extrait d’essai est identifiable à la présence d’un champ lexical dominant. Les problématiques abordées sont exprimées à travers des affirmations, des jugements, des prises de position qui suscitent des débats par leurs caractères contradictoires ou paradoxaux. Dans l’essai, celui qui s’exprime est l’auteur et non un narrateur. Il exprime et défend ses propres idées, mais, à travers de nombreuses références à d’autres ouvrages, il fait aussi connaître d’autres idées auxquelles il n’adhère pas nécessairement. Il peut donc y avoir plusieurs voix dans un essai, d’où l’importance d’identifier les propos et les idées qui appartiennent personnellement à l’auteur. Le lecteur y parvient grâce aux connotations, aux jugements, aux modalisations, à tout ce qui souligne des prises de position explicites.
Enfin les extraits d’essais sont généralement des textes argumentatifs ; il est donc important d’en déterminer la structure, les articulations logiques et les modes de raisonnement. Les temps et les modes verbaux donnent des indications sur les démarches mises en jeu : affirmations à l’indicatif, hypothèses au conditionnel, éventualités au subjonctif.
Face à un extrait d’essai, il s’agit donc d’identifier le thème, la thèse ou les thèses, la problématique et l’articulation logique du texte.

b) Analyser une œuvre d’art.

Sous des formes diverses, conçue comme une réalisation humaine, l’œuvre d’art est enracinée dans le réel, qu’elle représente, idéalise, déforme ou dépasse. Elle est porteuse de significations liées à sa nature, à son thème et à la sensibilité de son créateur.
De la même façon que l’essai, l’œuvre d’art a un thème identifiable lorsque l’œuvre est figurative et non abstraite. Le thème est reconnaissable soit à travers des représentations, soit à travers des symboles. Les éléments représentés font en général partie de l’environnement et regroupent des personnes, des paysages, des objets, des scènes de la vie… des composantes que précise en général le titre de l’œuvre, sa date permettant de le situer dans le temps.
A l’intérieur du thème global se révèlent des aspects particuliers sur lesquels les artistes ont mis l’accent. C’est la conjonction d’un thème et de différents procédés et choix de composition et de réalisation qui confèrent à l’œuvre son sens précis. Il est important d’être sensible au cadrage, à la disposition des éléments représentés, aux lignes, aux couleurs, aux contrastes, aux proportions, à la présence de figures diverses – métaphores, hyperboles -, aux références implicites ou explicites à de nombreux domaines relevant de l’histoire et de la culture.
Une œuvre d’art peut avoir pour finalité de représenter le réel à travers une sensibilité. Mais les effets qu’elle provoque et les émotions du spectateur montrent qu’elle a souvent d’autres vocations et qu’elle traduit différentes formes d’engagement et d’action : célébrer, dénoncer, faire prendre conscience. L’analyse d’une œuvre d’art implique qu’on la regarde en détail pour en déterminer le thème et le sens. Se découvrent alors des finalités qui permettent de la situer dans un contexte, de la rattacher à une esthétique et d’en mieux comprendre les enjeux. L’une de ses vocations importantes est de faire échapper au temps ce qu’elle représente.

c) Analyser un texte poétique.

Les textes poétiques ont des formes particulières : vers rimés, vers libres, poèmes en prose. Ils utilisent un langage original et des spécificités d’écriture à travers lesquels s’expriment des idées qu’il faut savoir identifier et reformuler.
Tout ce que les textes poétiques évoquent ou suggèrent repose sur des rythmes, des reprises sonores, des recherches d’écriture et de langage. L’expression des idées n’est donc pas directe : elle est le plus souvent métaphorique et imagée. Il faut chercher ces idées et trouver leur sens – parfois politique, sociologique ou philosophique – à travers des comparaisons, des symboles, des allégories et d’autres figures de rhétorique, qui évoquent des situations, des faits, transposent des réalités, expriment des sentiments et des émotions.
La forme versifiée et les nombreuses figures de rhétorique ne doivent pas constituer un obstacle à une lecture attentive qui définit de quoi il est question (thème principal) grâce au lexique utilisé, au sens des mots et à la récurrence et/ou à la mise en valeur de certains termes par leur place ou leur sonorité. Les problématiques, CAD certaines questions nées des relations entre les idées, sont perceptibles à la structure des textes, aux articulations logiques, à certaines figures (les antithèses notamment, CAD l’opposition de deux mots désignant des réalités opposées ; ex : Racine, Britannicus : « J’ose dire pourtant que je n’ai mérité, ni cet excès d’honneur, ni cette indignité »), à l’opposition des réseaux lexicaux. La poésie les met en valeur de manière plus concrète et plus imagée que ne le font les textes d’idées. Le titre du poème et celui de l’œuvre peuvent aussi apporter des informations.
Ainsi, il n’y a pas d’incompatibilité entre les textes poétiques et les idées : ces textes utilisent les différentes formes de discours (narratif, descriptif, informatif, explicatif, injonctif, argumentatif), sont caractérisés par certains registres (lyrique, pathétique, épique, satirique, polémique, ironique ou comique), mettent en jeu différents systèmes d’énonciation (dialogue, fiction, texte d’idées). Leur analyse peut être facilitée par leur intégration à un corpus : en effet ils entrent alors en résonnance avec les autres documents, qui en éclairent le sens et attirent l’attention sur certaines idées essentielles.

Stiegler-Esthétique et Politique

Une conférence de Bernard Stiegler sur le rapport entre esthétique et politique. Cette conférence est un peu abstraite, je vais uploader des émissions de radio un peu moins hermétiques par la suite.
La pensée de Stiegler me semble être essentielle pour la réflexion contemporaine (même si je ne suis pas d'accord avec lui sur tous les points), c'est le pendant laïc de Jacques Ellul dont il est très proche sans toutefois jamais le citer... Tous deux développent une réflexion sur la technique et sa dimension dévastatrice, tous deux appellent de leurs vœux ce qu'on peut appeler "Le réenchantement du monde"...